EN / RU

Участники

Гари Хилл, США
Слепая зона, 2003, 12'27''

«Слепая зона» конструирует пространство живого портрета, «фокусируя время» на взаимоотношении художника (камеры) и человека на улице маленького алжирского квартала Бельзунс во французском Марселе. Когда камера медленно наезжает на объект, изображение прерывается все более длительными черными беззвучными перебивками, так замедляющими действие, что, в сущности, достигается почти фотографический эффект.

Работа сделана для проекта «Точка зрения: Антология движущегося образа» по заказу «Bick Productions» и Нового Музея Современного Искусства, Нью-Йорк.

Гари Хилл (р. 1951, Санта-Моника, США) — мэтр американского видео-арта; был в числе первых авторов, обратившихся в середине 1970-х гг к видео не как к технике записи собственных перфомансов, а как к новой художественной форме. Хилл начинал как скульптор (именно за свои скульптурные объекты он получил Золотого льва на Венецианской биеннале в 1995), но затем обратился к видео арту в связи со своим увлечением философскими работами Бланшо и Левинаса. Его поэтические и точно выстроенные художественные высказывания поднимают проблематику визуализации текста, перевода слова в пластические образы, взаимодополняющих функций изображения, звука, языка, тела и электронных медиа. Его выставки проходили в крупнейших музеях по всему миру, включая Музей Современного Искусства, Сан-Франциско, Центр Жоржа Помпиду, Париж, Музей Гуггенхайма, Нью-Йорк, Museum für Gegenwartskunst, Базель, Музей Современного искусства, Барселона и другие.


Билл Виола, США
Чотт Эль-Джерид (Жара и свет), 1979, 28'00''

Bill Viola. Chott el-Djerid (A Portrait in Light and Heat), 1979. Videotape, color, stereo sound; 28 minutes. Photo: Kira Perov

Чотт Эль-Джерид — большое пересохшее соленое озеро в пустыне Сахара на территории Туниса. Виола набрел на него в поисках места, где были бы только равнина и небо, где «то, что ты видишь — все, что там вообще можно увидеть». Он искал пейзаж с минимумом визуальной информации: в пустыне, степи или на море. Задачей Виолы было снять этот пейзаж так, чтобы передать его в развитии, по мере того, как нашему восприятию открываются едва уловимые изменения. Фильм начинается с заснеженных пейзажей зимней степи, противопоставленных картинам жарких, залитых солнцем пустынных пейзажей, которые под конец оказываются такими же чуждыми и пугающими. Сверкающие миражи, искаженные очертания зданий и предметов, которые мы видим, возникли как результат высокой температуры, яркого света и особых характеристик камеры: при съемке Виола пользовался мощным телеобъективом, создающим эффект жаркого дыхания пустыни. На озере Чотт Эль-Джерид художник открыл для себя пространство, в котором мир сна перетекает в мир яви. Виола стремится не только перешагнуть границы восприятия реальности, т.е. того, что может быть наблюдаемо физически, но также и превратить сам акт видения в интеллектуальный опыт.

Билл Виола (р. 1951, Нью-Йорк, США) — видеохудожник. Получил степень бакалавра изящных искусств в 1973 году в Сиракузском университете. После окончания он полтора года работал во Флоренции в качестве технического директора в Art/tapes/22 — одной из первой студий видеоарта в Европе. В 1977 году Кира Перов из австралийского университета Ла Троб пригласила Виолу продемонстрировать свои видео. Годом позже Перов приехала в Нью-Йорк, где они с Виолой заключили брак. С тех пор они живут и работают вместе. В 1980 году, в рамках культурного обмена они жили в Японии, где изучали буддизм у мастера дзена (Дайен Танака). В этот период Виола стал первым приглашенным художником в исследовательской лаборатории Сони в Ацуги. Его работы выставлялись в Музее Современного Искусства в Нью-Йорке, Национальной галерее в Лондоне, Музеях Гуггенхайма в Берлине и Нью-Йорке, Музее Американского Искусства Уитни, Музее Гетти в Лос-Анджелесе и Музее Метрополитен в Нью-Йорке. Виола также был избран представлять США на 46-й Венецианской Биеннале, куда он привез «Похороненные секреты» — коллекцию из пяти инсталляций, включая «Приветствие». В 1998 году Виола сотрудничал в качестве приглашенного ученого с Исследовательским институтом Гетти в Лос-Анджелесе, а в 2000 году был избран в Американскую Академию Искусств и Наук.


Марина Абрамович, Сербия/США и Улай, Германия
«Город Ангелов», 1983, 20'00''

«Город Ангелов» — первая работа, которую Абрамович и Улай сделали специально для видео и ТВ. Съемки проходили в столице Таиланда, в саду древнего буддийского монастыря. Абрамович и Улай описывают духовные и аскетические аспекты культуры Востока в целом и буддизма в частности в серии поставленных ими «живых картин», которые «исполнялись» монахами и местными жителями. Художники отразили сущность религиозной жизни в ряде четких, стилизованных и театрализованных сцен, которые частично сопровождаются буддистскими песнопениями. В работе “Город Ангелов” единство места, звука и самих участников создает вневременную гармонию и атмосферу медитативной сосредоточенности.

С 1976 по 1988 годы Марина Абрамович (р. 1946, Белград, Югославия) и Улай (Франк Уве Лайзипен, р. 1943, Золинген, Германия) вместе работали над множеством перформансов, в которых видео играло немаловажную роль: от использования в качестве средства документации до самоценного художественного высказывания. Это один из самых известных дуэтов современного искусства; они неоднократно выставляли свои работы в престижных галереях и музеях. Они часто использовали технику «искусства претерпевания», включающие в себя причинение боли или подвергание тела опасности. Это принимало различные формы, от действий, представляющих собой серьёзную угрозу физического насилия до произведений, требующих «медитации» и концентрации со стороны художников. Среди тем их работ — исследование гендерных ролей и межперсонального симбиоза, стирание границ между искусством и жизнью, а также взаимоотношение технологий и людей как часть естественного мира. Абрамович/Улай интересовались восточной культурой, философские концепции которой они использовали в своих работах. Кульминацией их творчества стал перформанс «Прогулка по Великой Китайской Стене» 1988 года, в котором они шли друг навстречу другу с разных сторон Стены, чтобы встретиться в середине. Короткая встреча обозначила конец их длительных отношений.


Тьерри Кунцель, Франция
«Белый десерт», 1980, 22'08''

В этом фильме мир прикрыт белым покрывалом, что придает ему некоторую абстрактность. Белесые беззвучные образы простого интерьера (дверь, буфет) проявляются и снова исчезают. Длительное время мы видим женщину, которая молча сидит за столом. Незначительные, почти неуловимые изменения происходят в композиции: в интерьере, в позе и движениях героини… Возникают небольшие изменения в контрасте черного и белого, как будто свет движется по живописному полотну. То, что мы видим, кажется вечно длящимся. Словно образы остановились во времени и замерли… 

Тьерри Кунцель (1948 — 2007, Бержерак, Франция) — видео художник и теоретик кино. Он всю жизнь прожил в Париже (кроме нескольких лет проведенных в Беркли, Калифорния) и работал с понятиями времени и памяти, а также тем, что происходит под поверхностью изображения, за пределами традиционного нарративного повествования. В конце 1970-х он регулярно писал для журналов «Camera Obscura» и «Film Quarterly Journal». После он обратился к созданию видеоработ. Минималистичные по форме, но богатые по содержанию, работы Кунцеля используют видео как инструмент для раскрытия восприятия реальности, памяти и бессознательного, обращаясь к кодам кино, фотографии и изобразительного искусства. Его работы участвовали во множестве международных фестивалей и выставок, в том числе в Музее Искусств Университета Беркли, Калифорния, Парижской биеннале, Музее современного искусства, Нью-Йорк, Стеделик музее, Амстердам.


Ян Фудун, Китай
Ночной страж, 2011, 19'21'' 

Yang Fudong, “Ye Jiang (The nightman cometh),” 2011. Courtesy of the Artist and Galerie Marian Goodman, Paris / New York; ShanghART Gallery, Shanghai. © Yang Fudong

Сюжет фильма «Ночной страж» разворачивается в области исторической фантазии. Перед нами древний воин — раненный и несчастный после боя, размышляющий о своем предназначении. Он стоит на распутье — продолжить сражение или исчезнуть? Следует ли ему избежать гибели или его долг — продолжать бой, который, безусловно, может привести к той же участи — смерти. Тело, конечно, дорого, но и душа не менее важна. Как сделать выбор между ними? 

Перед ним возникают три характера, походящие на призраков, каждый изкоторых символизирует один из возможных путей развития. Сам Ян Фудун характеризует жанр фильма как «нео-реалистический» — это исторический театр, где главную роль играют современные социальные условия. Кто более реален — воин в историческом наряде или призрак в современном костюме? Какому времени принадлежат древние сцены битвы и других исторических событий, появляющиеся перед зрителем — прошлому, настоящему или будущему?

Ян Фудун (р. 1971, Пекин, Китай) является автором одних из самых красивых произведений независимого китайского кино. Изысканные, черно-белые, снятые на пленку 35 мм, работы Фудуна вызывают чувство анахронизма, сочетая лиризм китайской живописи с суровой картиной. Художник закончил Академию изящных искусств в Ханчжоу. После окончания учёбы Фудун переехал в Шанхай. Произведения Ян Фудуна были представлены на выставках Венецианской, Шанхайской, Пражской и Ливерпульская биеннале, в британской галерее Тейт Модерн, парижском Центре Жоржа Помпиду, в Национальном Арт Центре Токио, в Венском Кунстхалле, Стеделик Музее в Амстердаме, туринском Кастелло ди Риволи и т.д.


Группа «Провмыза», Россия
Вечность, 2011, 44'00''

Провмыза, «Вечность», 2011, Courtesy of the artists

Работа группы «Провмыза» «Вечность» внушает чувство ужаса — авторы погружают зрителя в многослойное пространство, где растворяются как окружающая реальность, так и сам человеческий взгляд, и мы обнаруживаем себя на границе в поисках исходной точки. Маленькая девочка — это метафора Вечности, так как она ментально противостоит разрушающей силе и всегда побеждает её.

Группа «Провмыза» (Галина Мызникова, р. 1968 и Сергей Проворов, р. 1970; Нижний Новгород, Россия) появилась в 1993. Художники работают в самых разных областях актуального искусства, используя широкий ряд мультимедийных инструментов. В своём творчестве они следуют тенденции уничтожения границ между жанрами и видами искусства; их подход основан на традициях русского беспредметного искусства начала 20 века, понимаемого в свете модернистского опыта последующих лет. Их произведения были представлены в павильоне России на 51-й Венецианской биеннале, 67 Венецианском кинофестивале, Центре Жоржа Помпиду, Париж, Биеннале движущихся образов (Центр Сен-Жерве, Женева) и др. В 2009 году их видеоработа была удостоена Tiger Award на 38-м международном кинофестивале в Роттердаме. 


Яспер Юст, Дания/США
Безымянный спектакль, 2011, 13'00''

Jesper Just, This Nameless Spectacle, 2011. Courtesy James Cohan Gallery, Galerie Emmanuel Perrotin, and Galleri Nicolai Wallner © Jesper Just 2011

Название этого видео возникло из названия поэмы Уильяма Карлоса Уильяма. На двух панорамных экранах, стоящих друг напротив друга так, что зритель вынужден постоянно выбирать между одним и другим не имея возможности видеть все сразу, разворачивается история привлекательной женщины средних лет, путешествующей в инвалидной коляске по Парижу и молодом человеке, следующем за ней на ней на некотором расстоянии.

Это история о разъединении людей, о невозможности общения, об искусственности. Последнее не случайно — Бют Шомон — парк, где начинается повествование является полностью рукотворным, а актриса Мари Франц сама является транссексуалом. 

Датский видеохудожник Яспер Юст (р. 1974, Копенгаген, Дания) создает работы, которые привлекают зрителей своими чувственными и стилизованными образами, сложными визуальными эффектами, музыкой и светом. Атмосферные произведения Яспера Юста сравнивают с киноработами Висконти, Фасбиндера и Гас Ван Сента. Яспер Юст получил степень Королевской художественной академии в Копенгагене. Он победитель престижной премии Carnegie Art Award, 2008. Его персональные выставочные проекты были реализованы в крупнейших музеях и галереях по всему миру, включая Kunsthalle Wien, Вена (Австрия), SMAK (Stedelijk Museum voor Actuele Kunst), Бельгия, Moderna Museet, Стокгольм (Швеция), Royal Museum of Fine Art, Копенгаген, Дания. Яспер Юст будет представлять павильон Дании на 55 Венецианской биеналле современного искусства.


Джулиан Розефельд, Германия
Моя родина темный и облачный край, 2011, 30'00'' 

Julian Rosefeldt, «My home is a dark and cloud-hung land», 2011. 4-channel film installation, coproduced by the Jewish Museum Berlin

Видеоинсталляция посвящена рассмотрению одной из центральных тем германской мифологии — теме леса. Джулиан Розефельд глубоко погружается в культурную историю. Различные легенды, мифы и традиции, связанные с лесом сводятся в один сюжет, сознательно и тщательно запутанный и принципиально ненарративный. Сюда включены и мотивы из «Германии» Тацита (I в. н. э.), и из поэзии и литературы эпохи Романтизма, и из других произведений, в которых образ леса предстает как метафора и как ее идеологическая инструментализация.

Розефельд комментирует: «Мне был интересен, прежде всего, вопрос о том в какой степени мои собственные амбивалентные чувства по отношению к моей родине связаны с ее природным ландшафтами и в какой степени образ этого ландшафта находит отражение в немецких пьесах, когда речь заходит об идее «истинно немецкого», включающей в себя как отрицательные, так и положительные черты, такие как трудолюбие, педантичность и порядок, ограниченность и негибкость, меланхолия и ненависть к самим себе, и многие другие».

Джулиан Розефельд (р. 1965, Мюнхен, Германия) прославился своими многочисленными фильмами, снятыми на 16 и 35 мм пленке. Его работы проецируются на несколько экранов, чтобы создать панорамный эффект и унести зрителя в сюрреалистический, театральный мир, чьи жители попали в плен структур и ритуалов ежедневной жизни. Вероятно, самый его известный фильм — «Трилогия Падения» (2004-2005), где он обращается к универсальным темам, таким как абсурдность человеческого существования, проникая в их более глубокое философское значение с помощью эксцентричных шуток. В число его недавних выставок входят «Gesamtkunstwerk» в Галерее Саатчи и «Моя родина темный и облачный край» в Еврейском музее в Берлине.


Тони Оуслер, США
Одиночка, 1980, 32'00'' 

В этой работе снедаемый тревогой Одиночка достигает совершеннолетия в процессе мрачных и похожих на сон попыток найти себе подругу. Его изображает не один, идентифицируемый актёр, а, скорее целый ряд предметов и бутафории — таких как ложка, наполненный водой мусорный мешок или презерватив. Одиночка переживает ряд травматических и юмористических ситуаций. Пытаясь отойти от традиционного кино и прийти к более поэтическому визуальному языку, Тони Оуслер экспериментирует со сложным нелинейным нарративом. Черпая вдохновение из театра Кабуки и венского акционизма, художник комбинирует видео перформанс с живописными и скульптурными элементами. 

Тони Оуслер (р. 1957, Нью-Йорк, США) — художник, занимающийся мультимедийными инсталляциями. В 1979 году получил степень бакалавра изящных искусств в Калифорнийском Художественном институте. С тех пор он участвовал в многочисленных международных проектах, включая персональную выставку «Интроекция», демонстрировавшуюся с 1999 по 2001 год в Художественном музее Колледжа Уильямс в Массачусетсе, Музее Современного Искусства Массачусетса, Музее Современного Искусства в Хьюстоне, Музее Современного Искусства в Лос Анджелесе и в Художественном Центре в Де Мойне. Работы Оуслера известны своими инновационными сочетаниями видео, скульптуры и перформанса. Они исследуют отношения между индивидуумом и масс-медиа с помощью юмора, иронии и воображения. Произведения художника представлены в коллекциях крупнейших музеев, включая Музей Современного Искусства в Нью-Йорке, Музей Американского Искусства Уитни и Галерею Тейт в Лондоне.